Bueno, ahora la ira fue de México, para México.

Platanito es un payaso de esos ‘para adultos’ que hace chistes simplones mezclados con palabrotas y comentarios fuertes. Lleva haciendo lo que hace algunos años en la tele. Sin embargo, no es hasta ahora que hace enfurecer a las masas con un chiste sobre la guardería ABC que hizo en un evento privado:

Ya todo México estuvo enardecido. En twitter, el hashtag ‘#FueradelairePlatanitoShow’ fue Trending Topic. Los mismos padres de los niños de la guardería expresaron su desaprobación. Tal fue la presión, que Platanito hizo un video pidiendo disculpas, sin peluca y sin nariz:

Al borde de las lágrimas, afirma que sí se pasó de lanza. Sin embargo, también se escuda detrás de dos factores: que ayuda a la Fundación Michou y Mau (un argumento de esos tipo ‘NO SOY RACISTA, GOEI. VEO EL PRINCIPE DEL RAP’), y que el video fue de una presentación privada filmada sin su autorización (onda ‘POR ESE TIPO DE VENTANEOS DEBERÍAN REFORZAR LA LEY DÖRING Y APROBAR LA SOPA Y LA PIPA’).

No está en mí perdonarlo o no. El incidente de la guardería ABC ha sido de esos que más me ha aterrorizado, con pesadillas y horribles imágenes mentales. No soy tan niñera, y siempre comento que me gustan más los perritos y los gatitos que los bebés. Tampoco es que puedo tenerlos porque MIS ENTRAÑAS ESTÁN PODRIDAS. Pero el amor al prójimo duele, y más con aquel incendio que bien pudo haber sido evitado. Conozco gente que ha perdido hijos, dentro o fuera de su vientre, y ha sido una experiencia impactante que jamás puede superarse. Mi abuelita tuvo trece hijos. Dos de ellos, los perdió de bebés por tosferina, y aún teniendo los otros once, el dolor fue irremediable. Casi al final de sus días, perdió a una hija (ya muy mayor) por hepatitis. Igual de doloroso. Otra abuelita, once hijos, uno murió de bebé y otro, ya adulto y tras superar su alcoholismo, por un infarto. ¿Adivinen a quién siempre hecha de menos cuando nos juntamos TOOOOOOOOOODOS los demás para Navidad? Nueve hijos, veintemil nietos, tres bisnietos, pero siempre hace falta Mario. El ‘tío Mariachi’ que siempre se ponía hasta las chanclas con su novia. O la tía cuya niña falleció de cáncer antes de siquiera tener su primer beso. Su depresión fue tal, que se electrocutó en la maquiladora donde trabajaba, y tuvo que incapacitarse hasta que volviera a funcionarle bien el brazo. Todas estas han sido muertes por causas naturales, premeditadas o no por el reloj biológico. No quiero ni imaginar cómo sería perder a un hijo tras un accidente TAN PENDEJO (as in, tan evitable) como el de la guardería ABC o por un asesinato.

El goei ya se disculpó. OK. Como ya dije, no está en mí perdonarlo. Punto final. Cambio de página. Ahora, que se disculpe por todos los demás chistes que hace: sexistas, homofóbicos, racistas, gordofóbicos, xenofóbicos… sin olvidar los chistes pedófilos de Michael Jackson. A veces hago chistes de pedobear onda ‘vi a un batito de prepa y estaba bien guapo, :pedobear:’, pero recuerden que las acusaciones a Michael fueron las que arruinaron su vida y su carrera. Después de que aquellos padres del primer niño lo acusaron por primera vez, ya nada volvió a ser igual. Aún encontrándolo inocente, los chistes pedófilos de Michael siguieron y siguieron, aunque se comprobara que él sólo quería ser su amigo, y que casi casi era asexual. Esa burla devino en depresión que devino en adicción que devino en su muerte.

Igual los chistes de raza, género, preferencia sexual, tamaño, clase y origen. Estos chistes, consciente o inconscientemente, son material perfecto para que la gente formule estereotipos. Por culpa de estos estereotipos, encuentran justificación para hacer todo tipo de atrocidades o injusticias. Desde hacer ruidos de cochinito cuando vaya pasando una gorda, burlarse en la escuela de una muchachita de piel oscura a tal grado que termine orinando la cama del miedo, hasta no dejar que la gente ‘feíta’ entre a un antro, despedir a alguien por tener una enfermedad mental, o asesinar a alguien sólo por identificarse con un género ajeno al de sus genitales. De poquito en poquito, estos chistes justifican muestras de odio, casi haciéndolas ver como actos de heroísmo. Sólo recuerden a todos esos adolescentes homosexuales que se han estado suicidando ‘para ahorrarles el trabajito’ a quienes injustificadamente los odian.

Me gustaría ver a Platanito disculparse también por estos otros chistes. Y de paso, a toda la prensa, radio y televisión mexicana. Al ‘Maraco Gay’, a ‘Las Lavanderas’, al chinito de Elektra, a Óscar Burgos con su personaje de Masiel, al Compayito, a Eugenio Derbez, a todos esos de progamas mañaneros que hacen voces ‘de amanerados’, y a todos los que, durante la cobertura de los Juegos Olímpicos y los Mundiales de fútbol, imitan la raza y el acento de los lugareños que hospedan dichos eventos. El año pasado bien vimos que el blackface seguía vivito y coleando en el Mundial de Sudáfrica. ¡Y ni me recuerden las Olimpiadas de Beijing! Este tipo de humor, igual que los chistes crueles sobre niños muertos, hace muchísimo daño. Incluso cuesta vidas.

Las VIP también se burlaron de Michael Jackson y lo relacionaron con la guardería ABC. Es una pena, porque fuera de ese comentario y del ‘Y YA ERA BLANCO, GOEEEI’ (que quizás es chistoso porque te burlas de la ignorancia de la VIP, y no de la raza de Michael), estaba bastante bueno. Lo de ‘Hey Jude’ me partió de risa, por ejemplo:

Y tampoco olvidemos cuando El Lonje Moco recibió ‘una carta de la ONU’. Los familiares latinos que perdieron padres e hijos en el 9/11 lo han de haber encontrado chis-to-sí-simo. NOT.

Graffiti de Pingu por Andrew Curran.

Era una niña curiosa y fantasiosa. Me gustaba subirme a los árboles o jugar a que los útiles escolares eran personajes con los que me ponía a jugar en plena clase. Por alguna extraña razón, a pesar de ser distraída e hiperactiva (estaría chido volver a tener brotes de ADHD más seguido; al menos eran divertidos), también salía demasiado bien en los exámenes. Esa combinación de fantasiosa e inteligente resultó fatal para mi vida social. Los niños se burlaban de mí, me pegaban, y los pocos amigos que hacía pronto me traicionaban para evitar ser víctimas del aislamiento que yo vivía. En mi casa no tenía hermanos con quienes ‘practicar’ para madrearme bullies, ni con quienes – mucho más importante – experimentar qué se sentiría tener un BFF.

Pero sí tenía tele por cable.

¿Y qué veía una niña distraída, juguetona, fantasiosa y ñoña cuando regresaba de aquel aro en el infierno llamado Escuela Primaria?

Ventana de Colores, la barra infantil de Canal Once. Antes de que le cambiaran el nombre a Once Niños y que produjeran sus propios programas, Ventana de Colores transmitía más que nada animaciones y programas extranjeros. Caricaturas de la ex-URSS onda ‘Obrero y Parásito’, programas didácticos patrocinados por Dorling Kindersley, la saga hispano-francesa Erase una vez… en la que todo lo habían inventado ‘los griegos’ o ‘los chinos’, Rupert en español de España, Babar en español chileno, una serie con marionetas japonesas cuyo nombre no recuerdo, esta mafufada británica setentera cuyo nombre apenas recordé hace poco, y, sobre todas las cosas, dos animaciones que se han conservado muy cerca de mi corazón durante todos estos años: Moomin (con todo y traducción española) y Pingu.

Para quienes viven debajo de una piedra, Pingu es una serie suiza en la que sus protagonistas, una familia de pingüinos de plastilina, viven y trabajan en iglús en la Antártica. Fue transmitida fácilmente alrededor del mundo porque no tenían que traducirla a diferentes idiomas: los pingüinos y las focas hablaban un dialecto que Carlo Bonomi, el talento de voz, llamó ‘pingüinés’. Había historia, mas no guión, y ahí fue donde Bonomi insertaba sus frases pingüinesas sacadas del sueco y el suizo. Además de ese trompetísimo y maravilloso nug nug que me fascina tanto a mí como a quien compiló todos los del ’89 en este video:

Han habido dos o tres intros en toda su historia. El primero es el que pasaban en los tiempos que lo veía en primaria, y cuya música era indicación para celebrar, sentarme y callarme:

Pingu tenía a su amiga foca. Jugaban, se deslizaban y se apoyaban mutuamente. De hecho, la foca una vez le hizo un paro en su escuela sólo-para-pingüinos:

Fue el hijo único al principio, pero no por mucho tiempo. Pronto hubo un huevo que cuidar en la casa:

Y del huevo salió Pinga, casi tras una labor de parto ¿ovípara?

Pinga lo seguía a todas partes. Por ejemplo, a tomar aguas frescas, aunque los dos se hicieran pipí:

Y también celebran la navidad, o algo parecido a ella:

En el 2001, HiT Entertainment compraron los derechos británicos y volvieron a hacer todos los episodios. Esta es la versión que más retransmiten hoy en día, y por eso muchos de los videos de YouTube tienen el segundo intro.

¿Se acuerdan cuando David Hasselhoff era ‘grande en Alemania’? Pues también era grande en Suiza, y en 1989 hizo ‘Pingu Dance’, ahora la canción ‘oficial’ de la serie porque somos bien kitsch y así:

Este no fue el último encuentro entre Pingu y el pop. ¡Claro que no! En el 2006, el grupo Eskimo Disco consiguió que los de HiT les dejara hacer un video basado en el programa. Es así como contamos con esa chulada visual y auditiva que es ’7-11′, con Pingu y muuuuuuchos pingüinos bailando.

(Nota: si quieren escuchar otra canción mientras lo ven, ‘Love Today’ de Mika también le queda. ¿Se acuerdan de Mika? Yo tampoco, pero algún comentarista de YT sí.)

PERO ESTO NO ES TODO. ESTO ES LO MERO NUEVO.

Ayer, el animador Lee Hardcastle subió su más reciente creación en claymation: los personajes de Pingu en un remake de The Thing. Sí. La de John Carpenter.

Les advierto que hay mucha sangre, fuego y vísceras. Aunque, en plastilina, la cabeza-araña se ve menos asquerosa que en lo-que-sea-el-pinche-material-vomitivo-que-usó-Carpenter-en-la-peli.

No hay duda que es LA MEJOR PELÍCULA DE LO QUE VA DEL 2012. ¿La nominarán para los Óscares? Es en serio.

Corrupto o incorrupto, horripilante o divertido, Pingu sigue siendo para mí lo máximo.

Mi Pingu de peluche. <3

Ya he promocionado este blog entre amigos, parientes, no tan amigos y no tan parientes. Pero no aquí. Así que hablaré sobre él.

A finales del año pasado (jijijijiji), hice un blog nuevo. Se llama Cynth Britannia, y es sobre mis aventuras y mi vida como mexicana en Reino Unido. Es mucho más serio y menos profano que Chica Pop, y ese sí quiero que lo lean mis papás. Siempre me preguntan cómo está todo por acá, etc. etc. y no puedo enseñarles ni hablarles tanto como quisiera, así que mejor lo escribo ahí. Lo mismo para mis amigos y parientes que no quieren saber qué opino del dubstep, pero sí quieren saber si hace mucho frío o no.

También cuenta con una sección de links en los que me hago gente y ayudo a anglófilos e interesados en venir de allá pa’cá o ir de aquí pa’llá. Me hubiera gustado leer algo así antes de venir, y contar con toda la información al alcance de mis manos sin andar googleando hasta morir y teniendo conatos de infarto (not really, nomás lloré un chingo) porque un sitio marca patito ya me andaba cortando las alas.

Sigo con Chica Pop, pero aquí pondré las observaciones internacionales de pendejadas internacionales, y allá pondré cosas que me suceden en este país para que la gente ‘del otro lado del charco’ se dé una idea.

EMA – Past Life Martyred Saints

Las poetisas en el mundo de la música, hoy en día, suelen ser mayores de treinta años: Patti Smith, PJ Harvey, Lydia Lunch, quizás Ani Di Franco, Karin Dreijer, Björk… pero a las chicas de nuestra edad eso del intelecto no les parece muy presumible. Están ocupadas bailando pistas de alguien más o cantando, aburridamente, letras aburridas de alguien más. No es el caso de Erika M. Anderson. En lugar de distraernos con fiesteo y con fantasías de conocer a Paris Hilton, EMA nos comparte sus más fuertes e íntimos comentarios acerca de su vida. Y esto lo hace con una capacidad lírica sorprendente, escupiendo aforismos como si no hubiera mañana. Sólo tiene 22 años, no le importa morir. Claro que en YouTube se la comen viva. ‘¿Con quién de Pitchfork está saliendo/cogiendo/mamando?’, es uno de los comentarios con más votos positivos. Si fuera hombre, ya le hubieran dado el Ivor Novello, o habría una que otra disertación universitaria en torno a sus letras. No tiene que meterse con nadie para llamar la atención. Ya lo hace: está ejecutando la difícil tarea de ser ella misma. Sí, se ve como las hipstercillas que iban al Jaguar House. Pero es la moda, ¿no?  Así como Nick Drake andaba greñudo y forrado de mezclilla, y sigue siendo un semidios. Tu semidios.

M83 – Hurry Up, We’re Dreaming

Me encanta el camino por el que Anthony Gonzalez ha llevado a M83. Recuerdo cuando estaba con Nicolas Fromageau en los primeros dos discos, trabajos casi completamente instrumentales que, aunque fueran hermosos, se sentían aún muy reservados y contenidos dentro de sí. Con el potencial de explotar más allá, pero aún atado con correa a un poste. En cuanto se fue Nicolas, y con ayuda de otros amigos, Anthony comenzó a  desenvolverse, con menos miedo a cantar y a producir buen pop. Con menos miedo a ‘venderse’. ‘Midnight City’ es Anthony Gonzalez en su máxima libertad. Sin miedo. Con esas vocales gloriosas y ese solo de saxofón con el que no cualquiera puede salirse con la suya. Eso del sonido explosivo y la buena autoestima se vuelve a oir en temas como ‘Steve McQueen’, y en la lúdica ‘Raconte-Moi Une Histoire’. Ya saben, esa del niño que se hace sapito y se ríe mil. Mi favorito sigue siendo Saturdays=Youth, pero se siente bonito escuchar Hurry Up, We’re Dreaming y darse cuenta que Anthony Gonzalez ya es un niño grande.

Battles – Gloss Drop

Otra de otros que tienen que crecer sin uno de sus compañeros. Después de ese trancazo que fue Mirrored, Tyondai Braxton (el de todas esas voces raras) tuvo que dejar Battles para concentrarse en su trabajo como solista. ¿Cómo le harían sin él? Fácil: continuando sin él. Grabaron un nuevo disco y consiguieron vocalistas de lo más descabellados: ¡¿Gary Numan?! ¡Yamataka Eye de Boredoms?! y amigos como Kazu Makino de Blonde Redhead y Matías Aguayo de… Chile. ‘Dame un helado derritiéndose’ fue la frase del verano, con un video de chicas encueradas comiendo helado… derritiéndose. Pero ellos solos, con la música, tampoco tuvieron problema. Ian Williams se nota más desenvuelto, por ejemplo. Me ha tocado ver al grupo con y sin Tyondai, y la última vez Ian hasta traía bigote de pornstar. Platicaban con la audiencia en lo que hacían soundcheck, algo que no hicieron cuando los vi con Tyondai. No sé si tenga que ver con que era el 2005 y nadie los conocíamos, pero ahora en el 2011, con su música en todas partes, podrían ser unos mamones. No lo son. Podrían decirte ‘no me hables, que han usado medio Mirrored en Skins y medio Gloss Drop en Misfits‘, pero no. Te hablan. Te agradecen. Te quieren. Y te dan un helado. Derritiéndose.

Destroyer – Kaputt

¿Les dije que no cualquiera podía salirse con la suya con un solo de saxofón? Destroyer lo hace, como veinte mil veces durante todo Kaputt. Desperdiciando sus días, persiguiendo algunas chicas… ‘ta bueno, persiguiendo cocaína. El canadiense Dan Bejar hace un finísimo álbum para sus vecinos del sur y para todos los que siguen su estilo de vida como si te lo pidiera la Biblia. El también integrante de The New Pornographers se explaya aquí con baladas pop ochenterosas onda ‘me acabo de bajar del yate’, pero él las transforma en ‘me acabo de bajar del yate y no sé si pueda volver a subirme a él; aparte, extraño mi trineo de madera y mi primer amor’. Rosebud. Es para escucharlo en la ventana, bebiendo Pimm’s, durante un día soleado en el que tienen mucho trabajo que hacer. Unas pequeñas vacaciones de verano para los oídos, pero siempre consientes de que nada es para siempre. Y el video de ‘Kaputt’ es divino.

Atlas Sound – Parallax

Bradford Cox me mantuvo en compañía las primeras semanas que estuve en Bristol, sola y sin conocer a nadie. Ahora lo vuelve a hacer las primeras semanas que he estado en Manchester, sola casi todo el día y sin conocer más que a la vecina. Esta vez también solo, como yo. No que no lo hubiera estado en Deerhunter, con su banda teniendo una vida y para él su banda siendo su vida. Eso es lo que es ‘parallax’: enfocarse a una cosa y solamente a una cosa. Pensar en ella y nada más. Por eso tuvo tanto tiempo para regalarnos Bedroom Databank el año pasado: cuatro volumenes de rarezas y nuevas canciones grabadas en su recámara o en su cuarto de hotel. De esta serie rescató ‘Mona Lisa’ para el nuevo álbum, donde también saca ‘Te Amo’ y otras canciones que ya había cantado en vivo con Deerhunter. Siendo trabajo de estudio, está más pulido que Bedroom Databank, y sigue siendo parte de ese ‘Revival’ que quiere hacer Bradford a la vieja música americana. Comenzando por la portada, con un micrófono viejo a la manera de esos clásicos crooners como Frank Sinatra, y con un estilo de cabello y ropa de pandillero que frecuenta cafeterías en los años 50s. Y este, este, es un megatemazo:

Que este nuevo año esté lleno de cosas hermosas para ustedes y para mí. Que los lleve a lugares nuevos y que todos sus proyectos sean exitosos.

Igual que a muchos originarios de países apegadamente religiosos, me sorprende la idea de que haya conciertos de música popular en catedrales y recintos originalemente concebidos para propagar la palabra de uno o más dioses. De hecho, fue una de las cosas que más me impactó al venir al Reino Unido. Uno se esperaría villancicos, conciertos navideños con sinfónica, representaciones musicalizadas de la Pasión, Muerte y Resurrección a lo mucho. Si acaso hubiera presentaciones pop, rock, folk, metal o lo que sea, se imaginaría que al menos son de grupos abiertamente cristianos. Ya saben, como los gruperos en las iglesias evangelistas de México; o los coros de gospel en Estados Unidos, siempre como parte de toda una ceremonia. Por eso me sorprendió, pero no de manera negativa, que las iglesias anglicanas prestaran sus edificaciones para eventos paganos. La verdad no sé por qué. Los británicos comenzaron a tratar la fe muy a su manera desde que tenían sexo casual durante las peregrinaciones a Canterbury.

Lo que se aprecia de los conciertos en lugares religiosos es que, muchas veces, los artistas que quieren presentarse en ellos los eligen porque tienen una actitud ceremonial hacia la música. Independientemente de sus creencias personales, son devotos de su profesión, y aprecian las posibilidades espirituales de su vocación. No por nada la música ha salvado vidas, suavizado malestares y enaltecido experiencias.

Vi un ejemplo de esta devoción y entrega el mes pasado, el 14 de Noviembre, cuando Anna Calvi se presentó en la Catedral de Manchester. Ya les he comentado que esta mujer me despeina. Originalmente mis amigas y yo la íbamos a ver en Bristol, pero canceló porque se lastimó la espalda. En cuanto una de mis amigas se enteró que tocaría en Manchester para cuando yo ya estuviera ahí, me dijo emocionada que quería venir para, además de conocer la ciudad, ir al concierto. En Bristol, hubiera sido en un pequeño club; así que hubo una gran, gran diferencia.

Los abridores fueron Halloween, Alaska, una de esas bandas folklorientas estadounidenses que se reproducen como gremlins bajo la lluvia. Estaban bien. Disfrutables, incluso. No los hubieramos visto aparte por su cuenta, pero aligeraron la espera. Además de que les ayudó el hecho de estar en un edificio religioso para resaltar su música. Quizás si hubiera sido algún proyecto como Timber Timbre, hubiera sido espectacular. Pero no hubiera sido bueno que le comieran el mandado a la Calvi, casi como se lo comieron a Jónsi el año pasado.

Como quiera, no había nada que temer ni nadie robando protagonismos. La presentación de Anna Calvi fue inmensa. Ella, menuda como un flaco ratoncito, tenía una energía tan grande como el edificio mismo. Por dentro, era un gigante; y pudo demostrar sus dimensiones como artista y cantante más allá de los límites físicos. Siempre con tacones, aguantando de pie aún después de haberse lastimado este año. Con ropa abultada para verse más corpulenta: pantalones anchos negros, y una blusa roja que parecía de seda, con pedrería colgando de los hombros. El traje que usan los hombres al bailar flamenco. Con maquillaje oscuro para contrastar con sus ojos azules casi transparentes, y con labial rojo intenso para resaltar cada uno de los movimientos de su boca. En Bristol, una chica que hace burlesque y trabaja en una sex-shop me había dicho que pintarse la boca de rojo hace mejor la felación, porque la persona que lo recibe puede ver más fácil que hay labios ajenos sobre su cuerpo. Quizás también la técnica funcionó aquí, con esos labios ajenos rindiéndole honores al micrófono, ergo, al público. ¿O será el micrófono el que le hacía los honores a su entera presencia? Creo que una mezcla de ambos.

Calvi fue asistida por dos instrumentistas: Daniel Maiden-Wood en la batería, y Mally Harpaz en el harmonio y en una infinidad de percusiones. Ambos espectaculares también. Bien la Calvi pudo haber estado sola con su guitarra e igual hubiera sido impactante, como pudimos ver cuando abrió con ‘Rider to the Sea’, la misma con la que comienza su disco. Pero, en especial en un ambiente eclesiástico, nunca están de más un poco de campanillas, órganos y tambores. Es más, ayuda a conseguir un balance entre ‘el bien’ y ‘el mal’. Recordemos que la guitarra es asociada con ‘el otro bando’, como en la historia de Robert Johnson, aquel bluesero de quien se rumora hizo un pacto faustiano. La misma Calvi en ratos parecía el mismísimo demonio, si creemos en las asociaciones del color rojo en Occidente.

Pero no. Anna Calvi no es el diablo. Sería ridículo pensar en eso. Recuerden que es un ratoncillo tímido y enclenque, que sólo saca su coraje interno al tener la guitarra entre sus manos y el micrófono casi en la garganta. Es sólo un humano con fuerzas sobrehumanas.

Ya les había comentado hace tiempo, después de que se me atravesaron mil cosas, que me habían invitado  a escribir a un lugar que me gusta muchísimo y que tengo en el RSS de mi celular. Bueno, después de que Snaptu valiera madre porque la compró Facebook, me tuve que mudar a Gravity! (que todas sus ocho libras esterlinas de precio han valido mucho la pena) y, pudiendo ahora fácilmente accesar Google Reader, lo tengo siempre ahí.

El blog es Índice, parte del sitio Dare it All. Es mantenido por Luis Reséndiz Colorado, estudiante de la Universidad Veracruzana en Xalapa, y colaborador de Letras Libres. En el blog, tanto él como otros fanáticos el entretenimiento popular como Pablo Alva y Ángel Saldaña, escriben sobre todo aquello que les atrae desde un punto de vista crítico. Hablan mucho de cómics, de series de TV, de películas y música. Pero más de cómics, porque a Pablo le encantan.

Bueno, pues Luis me invitó a colaborar con un textillo, y me emocioné tanto que estuve clínicamente muerta por tres minutos. Pero no hay problema, porque volví a la vida y lo escribí. ¿De qué? De Chris Lilley, un comediante australiano que me gusta mucho y que deberían de checar.

En Índice saben tan bien qué pedo con la vida, que pusieron una foto genial para acompañar el texto. Es Lilley como uno de los gemelos Sims, sujetando un letrero que dice ‘DANTHAN INDUSTRIES’, el nombre tentativo de su granja familiar. Es el resumen perfecto de todo lo que representa Angry Boys y, en específico, la historia de los gemelos. Ya verán.

Hubo un cúmulo casi infinito de bandas que se adherían a una corriente u otra, quizás hasta llegaste a conocer gente – o tú mismo – que estaba en alguna banda intento de British alt-rock o nü-metal. No obstante, como en el reino animal, cada manada parecía tener un líder. En la Isla de los Lamentos, Radiohead te pedía que detuvieras el ruido para que descansaran de las voces de los pollos no-natos. En la Nación del White Whine pre-9/11, Korn se sentía como un fenómeno con correa (quieres ver la luz). Sus vocalistas, el pequeño Thom Yorke con sus ojitos y el gigante Jonathan Davis con sus rastas, fueron y siguen siendo íconos representativos y fáciles de reconocer hasta para quienes no son fans de uno, de otro, o de ninguno.

Quizás más que ese bato que usa falda escocesa, la imagen de Fred Durst y su cachucha roja invertida tuvo mayor impacto y un mayor número de seguidores – aún los recuerdo a todos recogiendo a sus novias de la secundaria en el Pontiac Trans Am, pero el destino del vocal de Limp Bizkit nos es irrelevante para este artículo. Lo mismo aplica con el intento de mohawk de Fran Healy. ¿Fran quién?

Luego llegó el nuevo milenio. Las Torres se cayeron, pudimos bajar música a nuestros aparatos electrónicos, quitaron a Daria, ya no daba miedo The Blair Witch Project, y la gente dejó de hablar de la vida real en el Internet para hablar del Internet en la vida real. Se murió la Sontag, Baudrillard, y hasta Michael Jackson. Las cosas cambiaron mucho para todos, y también – mucho o poquito – para estas bandas.

Radiohead pasó por no uno, sino dos giros de 180 grados. Aún recuerdo cuando MTV pasó Kid A en su totalidad y estaba yo ahí, de secundaria, viendo mi mundo cambiar afuera y adentro para volverme devota de ellos durante toda la adolescencia. Después, ya en carrera, que dieron ese otro cambio en In Rainbows, con todo y canción incluída en esa peli de los vampiros. Dos fuertes mutaciones casi de acuerdo al espíritu de los tiempos, quizás un poco – sólo un poco – adelantadas a él. Pero siempre con los mismos miembros dedicados. Con Colin Greenwood, el bajista y fan número uno de la agrupación; y con Thom aún bailando como bestia hasta transformarse en un meme.

¿Y Korn? Siguió sonando más o menos igual. Acaso alivianándose con videos y temas más humorísticos. Empero, los cambios más grandes se han dado en los integrantes. Uno de los dos guitarristas, Brian ‘Head’ Welch (nada de Florence, niños modernos), se hizo cristiano y se fue del grupo. David Silveria, el galán baterista que prácticamente había consagrado su vida a la agrupación, dejó de tocar por motivos de salud y mejor se enfocó en su familia y en su restaurante.

La recepción de la audiencia y la crítica de ‘especializados’ los trató también distinto. Mientras que Radiohead es una pieza elemental a la que amas u odias, Korn es ese recuerdo que te hace reír y avergonzarte de tus pubertos problemas.

¿Y qué es, entonces, lo que los vuelve a unir hoy en día?

EL DUBSTEP

Así es: ese género derivado del dub y del 2-step garage que comenzó a nacer en Londres al mismo tiempo que Radiohead y Korn ya eran los grandes grupos alternativos, y que hoy se encuentra en su más grande apogeo. Igual que Radiohead y Korn como representantes polarmente opuestos de lo alternativo en cada uno de sus países y continentes, el dubstep es ahora distinto de un lado u otro del Océano Atlántico. En Inglaterra, con chuladas minimalistas y más acercadas al soul y al R&B, cuyos personajes más conocidos son Burial y James Blake. En Estados Unidos, atascado de sonidos chillantes, frenético como el drum & bass o el house, con Skrillex cargando el estandarte ante las cámaras. Sí, tanto el dubstep ‘sofisticado’ (también conocido como ‘post-dubstep’) como el ‘cochinote’ vienen del Reino Unido – con gente como Skream y Benga, este último llevando el género hasta el mainstream y más allá al producir a Katy B – y de otras partes del mundo – con el israelí Borgore haciendo énfasis en el ‘gore’ con ayuda de su pasado en el death metal y su gusto por el hip hop de bling bling y hoes -, cada país ha agarrado una obsesión por una corriente distinta. En uno, James Blake es nominado a un Mercury Award. En otro, Skrillex sale en la portada de Spin. La división definitiva se hizo recientemente, cuando Blake declaró que el dubstep que había llegado a Estados Unidos era más para un mercado de frat-boys,  machista, y donde conseguir el bajo más asqueroso lo hacía ‘casi como un concurso de orinar’. Acto seguido, Hipster Runoff publica una caricatura donde Skrillex encabeza la ‘batalla por independizarse de  la influencia británica’.

¿Y cómo utilizan Thom Yorke y Jonathan Davis el dubstep? Incorporándolo a sus crisis de mediana edad, como los señores que se compran un Porsche. Claro, en plena lucha de Independencia, cada quien tomó el bando que le correspondía – o al menos el que hacía más sentido.

Ambos han hecho DJ Sets. En los de Thom, suele tener una fascinación por Burial y actos como Modeselektor y Aphex Twin. En el exclusivo Boilerroom incluyó a Ramadanman y Anstam (nada de dubstep en este set). En un mix para 6music, salieron a relucir tanto Blake como Jamie xx. Es claro su apoyo por la electrónica europea, con pequeños coqueteos hacia el nuevo continente al poner a Madvillian y al chileno Ricardo Villalobos (el último más influenciado por la estética europea, viviendo en Alemania desde los tres años).

Jonathan Davis también se hizo DJ, y hasta fue a la ciudad de México a poner música después de la presentación de Infected Mushroom en el Six Flags, anunciado específicamente como un ‘DJ Set de Dubstep’. Ya había ido al Sonorama el año pasado, poniendo fistpumpeo digno de Jersey Shore, y hasta PA PANAMERICANO ft. Pitbull en Guadalajara.

Aquí no acaba nada. A principios de año, Thom Yorke colaboró con Burial y Four Tet para hacer un par de canciones, ’Ego‘ y ‘Mirror‘. Suenan como el próximo paso después de The Eraser, pero con los característicos beats de Burial y las melodías de Kieran Hebden. Apenas el mes pasado, salió el video del sencillo ‘Shipwreck’ de Modeselektor. Fue la segunda vez que hizo algo para Gernot y Sebastian. Hace cuatro años, ya había prestado su voz a ‘The White Flash’, incluida en el álbum Happy Birthday. Ya tenía este vínculo con la electrónica en general, pero no fue hasta este 2011 que se le hizo trabajar con el ermitaño William Bevan.

Jonathan Davis, por su parte, deja muy clara su postura en la ‘batalla’ del dubstep: todo Korn es muy amigo, casi padrino, de Sonny Moore. En la entrada de Wikipedia del muchacho, los mencionan como ‘actos asociados’. En Coachella, subieron al escenario a tocar con él para el asombro de muchos (que quizás lo encontraron tan extraño como la alianza entre Katy Perry y Kenny G). Uno de los temas que interpretaron fue ‘Get Up’, producido por Sonny para el nuevo álbum The Path of Totality, programado para finales de año. Pero no crean que Skrillex es la única sorpresa electrónica entre un montón de guitarras enojonas: también fue producido por otros Team America dubsteppers como 12th Planet, los canadienses Datsik y Excision, el ‘somewhere-near-London’er Feed Me y los holandeses Noisia; además de haber sido co-mezclado por Downlink. Más que un disco de Korn&Friends, es un disco de Korn&Dubstep, casi a la manera de esos discos de Bossa’n'Roses, pero con el grupo original involucrado. Pero no todo es más pa’cá que pa’llá en la relación entre Jon Davis y la brotronica. ¿Por qué creen que vino con Infected Mushroom? Porque en el 2009 les prestó sus vocales para la radio-friendly ‘Smashing the Opponent’, y hasta sale en el video desde una pequeña televisión en la barra de un centro nocturno.

Como hemos visto, los proyectos fetiche de Thom Yorke son Burial y Modeselektor. Los de Jonathan Davis son Skrillex e Infected Mushroom. Por un lado, la elegancia inglesa y alemana. Por el otro, el mirreyismo estadounidense e israelita.

Quizás las conexiones entre unos estilos y los otros tengan que ver con los orígenes que los unen. Sonny Moore era vocalista de los emocore From First to Last; y después hizo algo un tanto pasable de rock alternativo electrónico con lo que se fue de gira como abridor de Team Sleep, proyecto de Chino Moreno, líder de Deftones, también asociados con el nü metal y también muy amigos de Korn.

James Blake, por su cuenta, es hijo del guitarrista James Litherland, especializado en el rock progresivo y el jazz, e intérprete original de esta canción. Radiohead comenzó a incorporar elementos de estos géneros desde Kid A, o quizás desde antes, cuando incorporaron la rapsodia (‘Paranoid Android’) a un estrato del rock contemporáneo que quería mantenerlo todo breve y uniforme. Blake es abierto acerca de su pasión por el pop. En sus años universitarios, se ganó el odio de sus compañeros de departamento al trabajar día y noche en una mezcla de ‘Careless Whisper’ de WHAM!. ‘Limit to your Love’, su otro sencillo famoso, es una cachonda abstracción de la original de Feist. Radiohead, por su parte, no es ajeno a realizar tributos: escuchen todos estos covers.

Después de aquel comentario hecho por James Blake, a la fecha, no han salido contestaciones ni de Skrillex ni de los padrinos Thom y Jonathan. Quizás al rato alguno de ellos – o sus amigos – aviente un niurkazo durante los próximos días. Habrá que recordar que Fred Durst era fan de la camorra tanto contra los del ‘otro bando’ (‘Placebo sucks!’) como los del suyo (‘Slipknot sucks!’); y el mismo Thom Yorke no esconde su ‘preocupación’ por Coldplay y The Strokes, mostrando una actitud tan mamerta hacia Chris Martin que lo hace tener pesadillas.

El campeón inicial de la batalla por el britpop había sido Oasis, pero ¿quiénes siguieron con los proyectos colectivos e individuales más diversos y con mayor alcance? ¿Quiénes terminaron musicalizando alteregos animados que pusieron a niños y adultos – y adultos aniñados – a sus pies? ¿Quién preparó mi queso [via Spencer Johnson]? Pero, ¿quiénes salieron de las profundidades del amor y el odio para sacar sus proyectos alternos hace poco? ¿Quién sacó una línea de ropa? El britpop habrá sido declarado muerto por los snobs, pero los altibajos en productividad de sus otroros líderes continúa.

Quizás suceda lo mismo con los ‘príncipes’ del dubstep, y eventualmente terminen rolándose las coronas. A ratos siendo Príncipe Regente, a ratos siendo el Hombre de la Máscara de Hierro.

- En nuestros tiempos eramos Flans o fresas. No había más.
-  Bueno, ¿eh? Que yo soy TIMBIRRUCA.

Yolanda Ventura y Ariadna Treviño, ‘Cosplay: Salvemos al Mundo’, La Rosa de Guadalupe

Esto es lo que quieren hacernos creer los medios mexicanos cuando hablan de la música que se producía en los ochentas. Que sólo podías ser fresa de un tipo o fresa del otro. Más bien, que sólo podías ser fresa, frambuesa, mora azul o – si eras bien ‘alterno’ – arándano. Pero no. Hubo más allá de lo que participaba en la OTI o de lo que autorizaba Raúl Velasco. Mucho, mucho más.

SIZE fue uno de esos grupos que se escondían – o eran escondidos – bajo la alfombra. Y de ellos habla Mario Mendoza en el documental Size: Nadie puede vivir con un monstruo. Sus evidencias son entrevistas con todos los integrantes de la banda, amigos y colegas; así como archivos de videos musicales y presentaciones en vivo. Tanto chicos como oligofrénicos grandes se sorprenderán al descubrir que en México la escena underground iba más allá del rock urbano, guarro y nacionalista de El Tri, Rockdrigo González, Botellita de Jerez y demás hijastros de Julio Revueltas. También tuvimos post-punk, synth-pop y nuevos románticos. Gente de la edad de nuestros padres también sabía de la 4AD, de Human League, y tenían intereses más estéticamente rebuscados. Lo más globalizado en la música mexicana parecía ser Flans copiándose a Bananarama; pero otras cosas fueron tomadas de allá fuera, digeridas y procesadas junto a la esencia del individuo.

Este documental no está nada sesgado. No fue editado para hacer ver perfectos a los músicos, ni se ignoran las opiniones que descartan – o ponen en tela de juicio – las palabras de los personajes principales. Es honesto, y los presenta en las buenas y en las malas. Hay anécdotas graciosas, momentos felices, y aquel momento que nos dan ganas de jalarnos las greñas por aquel LP que nunca vio la luz del día. Que quizás, si lo hubiera hecho, la banda hubiera explotado a las grandes ligas. Hubieran estado a la par de Caifanes en cuanto a fama – aunque espero que no en cuanto a decadencia auditiva. Por cierto, Saúl Hernández los ama. Iñaki de Fobia los ama. Café Tacvba los ama. Sabo Romo los ama. Whatever that means nowadays. Sin ellos, no tendríamos todo lo bueno, lo malo y lo feo del rock mexicano de 80s y 90s. ¿Han visto todos esos especiales de música británica o norteamericana donde hablan del (disculpen el término sexista) seminal post-punk? Pues este fue el seminal post-punk mexicano. Y así como en Synth Britannia, fueron parte del Synth Mexica. Gente como ellos, como Syntoma, como María Bonita (que de ser algo así como los Mecsican Trobingristol pasaron a tener a Mario Lafontaine curándosela de los ‘horribles ochentas’ junto a Horacio Villalobos) o como aquel dulce secreto llamado Volti.

Hay algo en particular que me llamó la atención durante toda la cinta, y es la diferencia radical que hay entre las circunstancias en las que se gestó la escena alternativa mexicana y la escena alternativa, digamos, de Reino Unido. Mientras que en tierra de Thatcher, la gente más pobre, de departamentos mugrosos, y con un sólo abrigo en invierno era la que formaba grupos; en la perrera de López Portillo eran los económicamente beneficiados – y la mayoría de apellido extranjero – los que tenían acceso a los movimientos internacionales y más posibilidades de crear algo propio. En un internado canadiense, a los catorce años, Jaime Keller conoció al maestro de Bowie. En Inglaterra, los Sex Pistols estaban tan jodidos que le robaron los instrumentos a Bowie para tener con qué tocar. Mientras que Philip Oakey en algún momento tuvo que debatirse entre comprar un sintetizador o un carro, Walter Schmidt y Carlos Robledo quizás bien pudieron haber tenido ambos al mismo tiempo. Lo cual no es malo ni bueno por parte de Walter, Illy y Charlie, pero sí por parte del zeitgeist de aquel entonces. En Granada TV y en la BBC salían los grupos del subsuelo, aún bajo un gobierno conservador. En Televisa, Don Raúl le decía que no a Coque Múñiz. Si no había oportunidades para un hijo de papi de lo más family friendly, menos las había para estos batos:

A todo esto, aún con privilegios económicos y de intercambio sociocultural, les fue muy difícil. Como lo dijo Illy Bleeding en el documental, nadie podía vivir con ese ‘monstruo’ de banda. Era algo muy adelantado a los tiempos y a la ‘moral’ mexicana. El rock estaba prohibido. Sólo MUY grandes bandas podían venir. Una de ellas, y la primera, fue The Police; y ellos iban a ser abridores, pero la burocracia los detuvo durante la prueba de sonido. Ese es otro momento para jalarse de las greñas. ¿Qué tan diferente y legendario hubiera sido todo si se hubieran presentado ante toda esa audiencia? ¿Hubiera sido un parteaguas musical y artístico como lo fue la presentación de Sex Pistols en Manchester? Hay ahora académicos, curadores de museos y galerías, bailarines y otros músicos que te dicen que iban a ver a SIZE en vivo y que los movió sobremanera. Pero el número podría haber sido mayor. Yo los conocí hace poco, por amigos que también eran amigos de Illy; pero pudo ser diferente. Pude haber sabido de ellos desde pequeña, como desde pequeña sabía de Caifanes o Fobia.

Esas fueron las dos grandes tragedias de la carrera de SIZE: lo de The Police y lo del LP. Al menos según el documental, que no se desgarra por siglos hablando sobre la inesperada muerte de Illy Bleeding. Sólo menciona el incidente en un párrafo, entre paréntesis año de nacimiento y deceso, y al final la dedicación del documental a su memoria. No hay un ‘¿Dónde estabas cuándo te enteraste de la muerte de Illy Bleeding?’ para todos, no hay eulogías llenas de lágrimas, no hay crestomatía de noticias sobre el accidente. Para comenzar, la película entera no se centra en él. No es como cualquier biografía de Joy Division donde todo es ‘Ian, Ian, estaba enfermito, Ian, Ian, y luego murió, murió, murió’. Eso es mucho más respetuoso para el conjunto y para el mismo Illy. No es tanto el morbo post-mortem lo que atrae. Acaso la muerte que llama la atención es la de la banda misma. Por todos los ‘qué tal si…’ que ya he mencionado.

Es una lástima también que no pueda encontrar en YouTube el video de ‘El Diablo en el Cuerpo’, o sus presentaciones – con fallas de origen – en un programa de televisión. Eso lo tendrán que ver en el documental mismo, que fue parte de la inauguración del ciclo Rock en la Cineteca, y que se presentará en el mismo lugar con dos funciones este sábado 5 y domingo 6 de noviembre a las 21:00.

Por cierto: qué poco variado está ese ciclo en general. Con excepción de Size: Nadie puede vivir con un monstruo, nada es particularmente único e inencontrable. La de Los Gatos Persas, siendo del mismo director de Las Tortugas Pueden Volar, al rato se encontrará fácilmente a 69 pesos en Mixup – si no es que ya. Interstella 5555 y Ziggy Stardust llevan siglos rondando por videoclubs y la Internet. Lo mismo Control, donde ya todos le vimos los calzones a Ian Curtis. Quizás si hubieran intentado conseguir proyectar Inni de Sigur Rós, o The Ballad of Genesis and Lady Jaye - que ya estuvo hace meses en la Ciudad de México, hubiera sido más especial. O Instrument de Fugazi, aunque nomás la vea el Jaime Rodríguez. O la de All Tomorrow’s Parties, aunque nada más la vea yo.

Pero creo que el staff de la Cineteca de Nuevo León estaba muy agotado tras haberse esforzado en conseguir El Vampiro y el Sexo. Han de haber luchado contra El Hijo del Santo. En el ring.

(fun fact: Arianne Pellicer, quien saliera en La Rosa de Guadalupe como la mamá de una niña emo y donde también llegó a decir algo como ‘en mis tiempos nomás eran Flans’, fue novia de Illy Bleeding; y sale en el documental tanto entrevistada ahora como bailando desenfrenada siendo una go-go girl. Supongo cuando hizo su personaje en La Rosa, se rió mil al leer el guión. Ella bien sabía que había vida más allá de Flans.)

Ya le tenía muchas ganas a esto. Hace varios meses, Uvi.Lov había comenzado a presentarse en vivo de una manera distinta a la habitual. La Cineteca de Nuevo León los invitó a musicalizar El Gabinete del Doctor Caligari (1919, Robert Wiene), ese filme mudo entre obra de arte e historia de terror del que todos hablan al mencionar a los pioneros del cine. La combinación fue tan exitosa, que volvieron a presentarse varias veces más alrededor del año. Desafortunadamente, siempre que lo hacían me encontraba fuera de la ciudad. Me había resignado a nunca verlos. Siendo fan del cine silente, de las musicalizaciones en vivo y amiga y seguidora del grupo desde hace muchos años, perderme la experiencia me dolía. Me encantó el EP, pero no era lo mismo sin vivirlo en persona de principio a fin.

Así que el viernes pasado, ahora que pude, los vi. Sin excusas.

Vaya que superaron mis expectativas. Todo embonaba a la perfección. Hasta los breves glitches visuales – por ejemplo, que un segundo Alan saliera a la derecha de Frances y al siguiente saliera a la izquierda – repercutían en lo sonoro. Los episodios de locura sonaban a un desorden total. Pasaban de los ratos divertidos en la feria al ritmo de un feliz casi-dance, a la oscuridad en el mundo de Caligari y Cesare. Así como los colores del filtro cambiaban, cambiaban las atmósferas sonoras. Sin llegar a la precisión anal de Cinematic Orchestra haciendo Man with a Movie Camera de Dziga Vertov (que también fue fenomenal), y sin la vagancia de In The Nursery al haber musicalizado ambas cintas (que sí, fueron de las primeras bandas contemporáneas no clásicas en acompañar películas mudas, pero cool story, bro). Fluyendo.

Fue lindo que fuera en exteriores, pero las circunstancias pudieron haber sido mejores. Ha estado comenzando a refrescar, y estábamos a diecisiete grados – menos cinco grados Fahrenheit en termómetro regio – para las ocho y media de la noche. Quienes llevábamos zapatos abiertos acabamos algo enfriados para las 10 de la noche. No quiero imaginar cómo terminaron los que iban en manga corta o falda. Iba mucho gótico con saco, así que fueron inteligentes. Aparte, habían pocas sillas para quienes querían – o sólo podían – sentarse en un asiento ‘de verdad’. Los demás estuvieron agusto sobre el césped o sobre unas piezas de foami como las que ponen en los jardines de niños. La gente sobre foami fue de hecho la que vio todo, banda y película, lo más cerca posible. Como estuvieron al lado – y algo retirados – y no debajo del proyector, muchos tuvimos que girar la cabeza varias veces para alternar nuestra atención entre la película y la interpretación. Lo más cagante fue que se llevaba a cabo otro evento al otro lado de la momificada Nave Lewis, así que, a veces, el ruido del punchis punchis y el locutor vozdemerolico se colaba entre los silencios más emotivos. Eso podía matar el estado de ánimo en segundos.

Fuera de estas circunstancias externas, todo fue maravilloso. La precisión, la belleza, las voces como instrumentos, los instrumentos como voces. El giro del final, tan común últimamente pero tan impactante dentro del concepto tiempo-lugar. Lo mismo con la idea de un doctor con un paciente-esclavo. Pero estos chicos, aunque sean de una generación menos inocente y donde tienen toda la información del mundo a través del mismo aparato que usan para producir y recrear algunos elementos musicales, actúan como si todo esto fuera nuevo. Tan escalofriante e inesperado como hace cien años. Como si esta sensación de auténtica novedad fuera trasladada a los tiempos modernos con un poco de ayuda en la que las orquestas, los jazzeros y el batito-con-pianito se hubieran sentido arcaicos. Este sonido verdaderamente funciona con la perpetua vanguardia que se encuentra en las imágenes.

Fotos por Ana Cecila Ávalos.

Por cierto, si quieren tener la oportunidad de ver a Uvi.Lov musicalizar una película, HOY (sí, HOY) están de nuevo en la Cineteca inaugurando el ciclo Rock en la Cineteca. Ahora les tocará El Viaje a la Luna  de Georges Méliès, algo más breve y optimista, y lo harán después de la premiere en Monterrey del documental de Size: Nadie Puede Vivir con un Monstruo. Véanlo, y quédense a verlos.

Lo primero que te sale cuando buscas 'bipolar' en Google Images. Son como dos máscaras, goeiiiis. TRAGICOMEDIA, OMGZ!

Así como es cagante que los volubles se digan bipolares es cagante la gente que piensa que la depresión se cura ‘echándole ganas’.

Comencemos con lo de los ‘bipolares’. Dentro y fuera de redes sociales, hay taaaaanta gente neurológicamente normal – salvo, quizás, por el hecho de tener el mismo Coeficiente Intelectual de Ernesto Chavana o Ninel Conde (o, para que no me digan malinchista

Hasta la foto que viene en la entrada de wikipedia para 'Trastorno bipolar' está llena de FAIL. 'TRISTE. FELIZ' Ugh.

Ahora, la segunda parte del twit. Lo de la depresión que se cura ‘echándole ganas’. Comenzaré confesándoles que padezco ansiedad y depresión. Por lo general estoy bien, pero he tenido largos y terribles episodios a lo largo de mi vida adulta. Tomo medicamento cuando sufro estos episodios, comencé a ir a terapia desde los quince años. Incluso estando aquí, cumpliendo mi sueño, tuve la mala

Las imágenes del artículo de wikipedia sobre 'Depresión' también están medio fail. Esta es de la sección 'PINCHES VIEJAS LLORONAS, CHINGÁ'

Hoy es Día Mundial de la Salud Mental. Van a festejar el 90% de las mujeres, jijijiji.